A noite do último sábado (4), no Nubank Parque já parecia especial antes mesmo do primeiro VCR aparecer nos telões. O motivo: o grupo fazia sua estreia na América Latina justamente no centésimo show da carreira, diante do maior público que já reuniu desde o debut.

Formado em 2020 pelo reality I-LAND, o ENHYPEN cresceu em uma velocidade rara até mesmo para os padrões do K-pop. Em apenas seis anos, acumulou milhões de álbuns vendidos, colocou seis trabalhos entre os dez primeiros da Billboard 200 e consolidou uma presença mundial que transformou a turnê Blood Saga em uma das mais aguardadas do ano. Ainda assim, havia uma lacuna evidente: o encontro com a América Latina.

São Paulo acabou sendo o cenário perfeito para preencher esse capítulo.

Os Engenes fizeram a espera valer a pena

Quem chegou cedo ao estádio percebeu que o show começava muito antes do horário marcado. Os arredores do Nubank Parque foram tomados por Engenes carregando lightsticks, distribuindo “freebies” (brindes produzidos pelos próprios fãs) e encontrando amigos que, muitas vezes, só se conheciam pela internet. É uma tradição das grandes turnês de k-pop.

O Brasil já aparecia há anos entre os mercados mais ativos do ENHYPEN fora da Ásia. Campanhas nas redes sociais, projetos organizados por fanbases e pedidos constantes para incluir o país nas turnês ajudaram a construir uma relação antes mesmo da primeira visita acontecer.

Blood Saga encontra sua maior plateia

As luzes se apagaram e bastaram poucos minutos para entender que aquele público conhecia cada detalhe do que estava por vir. Fan chants sincronizadas, refrões cantados em coreano e uma arena inteira acompanhando as coreografias transformaram o show em uma experiência coletiva. O mar de lightsticks praticamente virou parte da cenografia da era Blood Saga.

Ao longo de quase três horas, o ENHYPEN alternou momentos de grande impacto visual com interações que aproximavam ainda mais o grupo da plateia. As trocas de figurino, que poderiam quebrar o ritmo da apresentação, acabaram funcionando como mais uma oportunidade de manter os Engenes envolvidos por meio de desafios, karaokês e brincadeiras exibidas nos telões. Em nenhum momento a energia caiu.

E talvez esse tenha sido o aspecto mais impressionante da noite. Mesmo diante de uma produção grandiosa, com VCRs, efeitos especiais e uma narrativa visual bastante elaborada, o que mais chamava atenção era a troca constante entre palco e plateia. Havia uma sensação genuína de surpresa estampada no rosto dos integrantes a cada nova resposta do público brasileiro. O que é engraçado porque, mesmo antes de chegarem ao Brasil, os integrantes já se mostravam bem ansiosos porque sabiam que seria histórico, devido à fama dos brasileiros de serem o melhor público (é real, né?), mas ainda assim eles conseguiram se surpreender.

Quando o Brasil entra para o roteiro do show

O ENHYPEN claramente não tratou o Brasil como apenas mais uma parada da turnê.

Sunghoon levou ao palco sua versão em funk de “Knife” e comemorou a oportunidade de finalmente apresentá-la em um país onde o gênero nasceu. Sunoo arrancou gritos imediatos ao cantar um trecho de “Arrependidaço”, de Ferrugem, depois de já ter surpreendido os fãs com o cover nas redes sociais dias antes da viagem. Ni-ki e o grupo ainda ressaltaram que estavam torcendo pelo Brasil na Copa. São gestos pequenos quando vistos isoladamente, mas que, reunidos ao longo da noite, mostram o porquê de grupos de k-pop terem tanta proximidade com o fandom.

Um fim que, na verdade, parecia um começo

Quando o show chegou ao fim, ainda havia uma última surpresa.

O telão voltou a acender para revelar, pela primeira vez, uma prévia de “Welcome Bloody Paradise”, faixa que integra o próximo álbum do grupo, previsto para agosto. Coube justamente ao público brasileiro conhecer o início dessa nova era antes de qualquer outro lugar do mundo.

O centésimo show da carreira terminou olhando para frente. A estreia no Brasil deixou de ser apenas uma promessa cumprida aos fãs e passou a ocupar um lugar permanente na trajetória do ENHYPEN.

Quando eles voltarem e, depois da resposta dos Engenes brasileiros, é difícil imaginar que isso demore muito, São Paulo já não será lembrada apenas como a cidade da primeira visita e sim como o lugar onde o grupo viveu o maior público de sua história e descobriu, na prática, que algumas esperas realmente valem a pena.

O Nubank Parque confirma sua vocação para o K-pop

A passagem do ENHYPEN também fortalece uma história que o próprio Nubank Parque vem construindo nos últimos anos.

Antes deles, a arena já havia recebido BTS, ATEEZ e TWICE. Com o sexteto, o espaço amplia uma sequência que ajuda a consolidar São Paulo como uma das principais portas de entrada das grandes turnês de k-pop na América Latina. Hoje, quando uma nova excursão mundial é anunciada, o público brasileiro já não pergunta se existe espaço para receber esses artistas. A expectativa passou a ser apenas quando eles voltam.

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O show foi parecido com o realizado por aqui em 2024, no mesmo Vibra São Paulo. Desta vez, o público parecia ainda mais animado e participativo. A banda tocou praticamente todas as músicas dos dois primeiros álbuns (Business as Usual e Cargo), além dos maiores sucessos do terceiro e último registro de estúdio (Two Hearts).

Na primeira parte, Colin Hay incluiu músicas do seu trabalho solo e aqueceu o show de vez com “Into My Life”, música que fez um sucesso estrondoso aqui no Brasil quando foi incluída na trilha sonora da novela Rainha da Sucata, de 1990. No alto dos seus 72 anos, Colin Hay segue com a voz impecável e, generoso, deu espaço para os músicos da banda terem seus momentos de protagonismo. Jimmy Branly (bateria), San Miguel Perez (guitarra), Yosmel Montejo (baixo), Rachel Mazer (saxofone, flautas e teclados) e Cecilia Noël (backing vocals) deram um “caldo” latino à pegada inconfundível da maior banda australiana que esse escritor pitaqueiro conhece (AC/DC não conta porque é mais do que uma banda. É simplesmente o maior espetáculo da Terra).

A apresentação esquentou de vez com a fenomenal “Everything I Need”, que ficou sanduichada entre as levadas reggae de “Blue For You” e “Catch a Star”. Daí para frente, uma sequência de músicas dos dois primeiros álbuns tomou conta do repertório e ganhou de vez a voz do público. Em “Overkill”, Hay atinge os agudos da segunda parte da canção como se ainda estivesse nos anos 80. Uma aula vocal.

A carismática peruana Cecilia Noël assume os vocais em “Helpless Automaton” para dar um descanso à voz do seu marido. Mas Colin Hay havia guardado algumas de suas melhores cartas para o final. E o público também estava disposto a transformar o local em um grande karaokê, que explodiu de vez com “It’s a Mistake” e não parou mais.

Em “Who Can It Be Now?”, as vozes de Hay e do público fizeram um “duelo” incrível com a saxofonista Rachel Mazer. O saudoso Greg Ham, fundador da banda morto em 2012, ficaria orgulhoso da sua substituta. Para finalizar o espetáculo, o grupo tocou “Down Under”, espécie de hino informal da Austrália, e saiu do palco após cerca de duas horas com “Be Good Johnny”, deixando aquela clara sensação de que o Men at Work poderia ter sido ainda mais reconhecido caso não tivesse interrompido seu trabalho ainda em 1985, há mais de 40 anos.

Setlist

Touching the Untouchables
No Restrictions
Broken Love (Colin Hay Band)
Come Tumblin’ Down (Colin Hay Band)
Can’t Take This Town (Colin Hay Band)
Down by the Sea
Into My Life (Colin Hay Band)
I Can See It in Your Eyes
Looking for Jack (Colin Hay Band)
Upstairs in My House
Blue for You
Everything I Need
Catch a Star
No Sign of Yesterday
The Longest Night
Underground
Dr. Heckyll & Mr. Jive
Overkill
Helpless Automaton
It’s a Mistake
Who Can It Be Now?
Down Under
Be Good Johnny

Texto por: Claudio Longo
Crédito da foto: JP Lima

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Quando Jackson Wang veio ao Brasil em 2023, deixou a impressão de alguém movido por entusiasmo constante. Na época, o show em São Paulo teve clima de celebração, seguido por noites agitadas, encontros e o tipo de espontaneidade que rapidamente aproxima artista e público. Era a imagem de uma estrela em expansão, confortável no caos divertido que costuma cercá-lo.

O retorno ao país, três anos depois, apresentou outra camada dessa trajetória. Na noite de 23 de abril de 2026, no Suhai Music Hall, Jackson apareceu menos interessado em revisitar aquela memória festiva e mais disposto a revelar o momento criativo que atravessa. A turnê Magic Man II nasce desse lugar. O espetáculo visto em São Paulo acompanhou essa mudança com clareza.

Desde a abertura com “High Alone”, o ambiente indicava que a noite seguiria por caminhos mais densos. A construção visual, os vídeos e as transições entre blocos davam unidade a uma apresentação pensada para ser absorvida por inteiro, e não apenas consumida em sucessões de hits. Havia uma narrativa em andamento, costurada por temas como solidão, amadurecimento, deslocamento e desgaste emocional.

No palco, Jackson dividia cena com bailarinos que funcionavam quase como extensões simbólicas de seus conflitos internos. Em alguns momentos, cercavam o artista como pressão externa; em outros, pareciam refletir pensamentos, medos ou impulsos. Essa dimensão cênica ampliava o sentido das músicas e afastava qualquer leitura apressada do show.

Havia ainda um obstáculo concreto no show: o cantor se apresentou doente, logo após a passagem anterior da turnê pelo México. Em alguns trechos, a voz rouca acusava esforço. Ainda assim, seria injusto resumir o show a isso. Mesmo fisicamente limitado, Jackson sustentou a apresentação com presença, entrega corporal e atenção total ao público.

As interações com fãs, já esperadas em shows do artista, surgiram integradas ao conceito da noite. Pessoas foram chamadas ao palco em momentos marcados por proximidade e sensualidade, e a reação da pista beirava o caos organizado. Bastava Jackson olhar para um lado que dezenas de braços subiam de uma vez, gente apontando para si mesma, com gritos eufóricos de quem claramente se voluntariava sem nenhuma timidez – não dá para julgar. Quando as sortudas escolhidas subiam, a casa inteira comemorava como se tivesse vencido junto.

Em uma pausa para conversar, Jackson deixou a performance de lado por alguns minutos e falou sobre algo mais permanente do que qualquer turnê. Incentivou o público a buscar propósito, encontrar sua própria medida de felicidade, tratar a si mesmo com mais gentileza e entender que nem sempre será possível estar bem o tempo todo. Foi uma fala simples, direta e humana. Também ajudou a explicar por que sua conexão com os fãs ultrapassa o palco.

Se a passagem de 2023 ficou marcada pela festa, a de 2026 tende a permanecer pela maturidade artística. São Paulo viu um Jackson Wang diferente, mais introspectivo, mais ambicioso criativamente e ainda magnético. Já no encerramento, lançou uma promessa que acendeu nova euforia: disse que voltará em 2027, com outro conceito. Para um artista que parece sempre disposto a se reconstruir, talvez essa seja sua qualidade mais valiosa.

Se você chegou até aqui pensando “poxa, mas então não teve festa”, calma, teve sim. Teve bastante festa no encerramento do show, afinal estamos falando de Jackson Wang, o inimigo do fim, e isso nunca vai mudar. Boatos que estão até o momento convencendo ele a sair do palco do Suhai Music Hall.

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Mas, para entender o peso desse momento, vale lembrar o caminho percorrido. A banda Cachorro Grande construiu seu lugar entre os maiores do rock nacional nos anos 2000, nadando contra a corrente: enquanto as tendências apontavam para outros rumos, a banda abraçou influências do rock clássico de The Beatles, The Rolling Stones e The Who, vestiu a estética mod e entregou shows de uma intensidade difícil de ignorar. O resultado veio na forma de canções que ficaram na memória coletiva, como “Sinceramente” e “Lunático“, no prêmio do MTV Video Music Brasil 2007 e em turnês divididas com grandes nomes internacionais.

Matheus Torres foi o responsável por abrir os trabalhos

A noite teve abertura a cargo de Matheus Torres, nome que ganhou visibilidade ao passar pelo reality show “Estrela da Casa”. Em um set direto ao ponto, o cantor percorreu faixas do álbum Tanta Pressa, com uma sonoridade que remete ao pop rock nacional dos anos 1980 — Barão Vermelho, Djavan e Cazuza pairavam no ar. A apresentação cumpriu bem seu papel de aquecimento, tendendo pontes entre gerações por meio de referências que resistem ao tempo.

Cachorro Grande reafirma força do rock dos anos 2000 em noite intensa no Cine Joia

Por volta das 22h, com o Cine Joia lotado, Beto Bruno (vocal), Marcelo Gross (guitarra), Gabriel Azambuja (bateria), Eduardo Barreto (baixo) e Pedro Pelotas (teclados) tomaram o palco. A escolha da abertura com “Você Não Sabe o Que Perdeu” foi uma declaração de intenções: sem rodeios, sem aquecimento gradual — a banda entrou com tudo e manteve essa temperatura ao longo de toda a noite. O setlist transitou por diferentes momentos da carreira, revisitando álbuns como As Próximas Horas Serão Muito Boas, Pista Livre, Todos os Tempos e Baixo Augusta, enquanto o público cantava junto em clássicos como “Hey Amigo!“, “Bom Brasileiro“, “A Alegria Voltou” e “Lili“.

O que mais chamava atenção era a desenvoltura da banda no palco. Beto Bruno comandava o show com uma espontaneidade beirando o caos — numa corda bamba entre o carisma e o exagero que funciona perfeitamente para o contexto. Marcelo Gross deu um passo à frente em momentos-chave, como quando assumiu o protagonismo em “Dia Perfeito“.

No trecho final, o show alcançou seu ponto mais alto com “Sinceramente” — desta vez com Matheus Torres dividindo o vocal com Beto —, “Sexperienced” e “Lunático“. Foi o resumo perfeito do que a noite representou: para quem estava descobrindo a banda ao vivo pela primeira vez, um encontro com clássicos que deveriam ter sido ouvidos há mais tempo; para quem já os conhecia de cor, uma viagem de volta à época em que esses hits tomavam conta da grade dos programas de videoclipes.

No fim das contas, a Cachorro Grande deixa claro que não perdeu nem um milímetro de sua relevância. Mais do que revisitar o passado, o show serviu para mostrar que os gaúchos seguem tão poderosos quanto foram no auge da fama.

Setlist

Você não sabe o que perdeu
Hey amigo!
Desentoa
As próximas horas serão muito boas
Bom brasileiro
A alegria voltou
Velha amiga
Roda-gigante
Debaixo do chapéu
O que você tem?
Dia perfeito
Lili
Vai T. Q. dá
Sinceramente
Sexperienced
Você não sabe o que perdeu
Lunático

_{Texto: Cledir Oliveira
Revisão e edição: Guilherme Góes}

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Ainda existe Roxette sem Marie?

A morte de Marie, em 2019, encerrou esse ciclo de forma definitiva. Por isso, ver o Roxette novamente no palco sempre levanta uma questão inevitável: o que exatamente continua quando uma das figuras centrais já não está mais ali?

No Espaço Unimed, essa resposta começa a se desenhar com clareza. Per segue à frente do projeto, assumindo o papel de condutor da noite com naturalidade. É ele quem ancora o show, não só como músico, mas como elo direto com a identidade original da banda. Ao seu lado, surge o principal elemento dessa nova fase: Lena Philipsson, cantora sueca com carreira consolidada, convidada para assumir os vocais.

Lena Philipsson e o desafio de assumir os vocais

Lena entra em um espaço que não permite substituições. E o show não tenta forçar essa ideia. Desde o início, fica claro que sua presença não é construída a partir da comparação com Marie, mas a partir de uma leitura própria dessas músicas. Sua voz tem outra textura, sua interpretação segue outro caminho, e isso impacta diretamente a forma como o repertório se apresenta ao vivo.

Essa mudança aparece nos detalhes. Algumas músicas surgem em tons mais baixos, ajustadas para a nova dinâmica vocal. Em outros momentos, a diferença está menos na técnica e mais na entrega. Marie tinha uma presença expansiva, com alcance vocal que definia o som do Roxette; Lena trabalha de forma mais contida, sustentando as canções sem tentar reproduzir o que já foi feito.

Os hits atemporais do Roxette e a força do público no show em São Paulo

Com o passar do show, essa escolha começa a fazer sentido dentro do conjunto. Quando entram sequências de clássicos como “The Look”, “Joyride” e “Listen to Your Heart”, o protagonismo se desloca naturalmente para o público. São músicas que não dependem mais exclusivamente de quem está no palco. A plateia canta, completa versos, mantém os refrões vivos e, em alguns momentos, transforma o espaço em algo próximo de uma festa nostálgica, com gente pulando, cantando e às vezes dizendo “essa é a minha música!”

O momento mais emocional da noite

“It Must Have Been Love” é o momento em que essa dinâmica muda de tom. A música desacelera o ambiente e evidencia aquilo que atravessa todo o show. A ausência de Marie não é um detalhe. Ela está presente na memória do público, na forma como a canção é recebida e no próprio significado que ela ganhou ao longo dos anos. Per faz questão de reforçar essa homenagem.

Sem telões: quando sentir o show importa mais que ver

Um detalhe curioso ajuda a reforçar essa atmosfera. Não houve exibição de imagens do show nos telões laterais, uma escolha que não foi explicada, mas que acabou alterando a forma como o público se relacionou com a apresentação. Sem o apoio visual ampliado, os olhares se voltaram menos para o palco em si e mais para a experiência coletiva. Em vez de assistir, parecia mais importante sentir. Em vez de ver cada detalhe, bastava estar ali, dentro daquele momento, que mais parecia uma viagem no tempo.

A energia que continua mesmo depois do fim

A banda que acompanha Per ajuda a manter essa estrutura firme. Os arranjos permanecem próximos das versões originais, com pequenas adaptações que não alteram a essência das músicas. Existe uma preocupação clara em preservar a identidade sonora do Roxette, mesmo dentro de um novo formato.

Ao longo da apresentação, o público responde de forma direta. Não há resistência à nova formação, mas existe consciência de que se trata de outra fase. Lena é recebida com atenção no início e, aos poucos, conquista espaço dentro do show, principalmente pela consistência com que conduz as músicas.

E essa conexão não termina com o último acorde. Do lado de fora do Espaço Unimed, já depois do fim, pequenos grupos ainda se formavam espontaneamente. Vozes que não queriam ir embora continuavam cantando, puxando trechos de músicas como “How Do You Do!”, prolongando a noite como se fosse possível estender aquele momento por mais alguns minutos.

O que fica do show do Roxette em São Paulo

O que fica do show do Roxette em São Paulo é uma leitura objetiva: o grupo não tenta recriar o que existia antes, porque isso não é possível. O que permanece é o repertório, a conexão construída ao longo dos anos e a capacidade dessas músicas de ainda mobilizarem uma plateia inteira.

E, diante da resposta do público, isso segue sendo suficiente para manter essa história em movimento.

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Mais de quatro décadas após o auge comercial do grupo, o Guns continua ocupando estádios ao redor do mundo. Parte dessa permanência tem relação direta com o catálogo construído ao longo da carreira. Para além do sucesso nos anos 80 e 90, ainda há músicas que permanecem culturalmente reconhecíveis e capazes de atravessar gerações.

Esse fenômeno ficou evidente novamente durante a passagem do grupo pelo Monsters of Rock, em São Paulo. O retorno ao Allianz Parque aconteceu menos de um ano depois de uma apresentação igualmente lotada no mesmo local, mas o clima estava longe de parecer repetição. A recepção do público indicava algo diferente: a sensação de continuidade com uma pitada de frescor.

O gUNS N’ ROSES TEM repertório que sustenta o show

Boa parte dessa permanência do Guns entre as gerações vem da força do repertório. Canções como Welcome to the Jungle, Sweet Child O’ Mine e November Rain funcionam mais do que momentos de nostalgia dentro do show. Elas estruturam o próprio ritmo da apresentação, criando pontos de intensidade coletiva que atravessam todo o público presente. Sejamos honestos, ainda que você já tenha presenciado inúmeros shows do Guns, você conseguiria imaginar um show sem esses clássicos? A resposta é não.

Do mesmo jeito, Paradise City continua exercendo o mesmo papel de catarse que já desempenhava show após show: o encerramento caótico e poético. Poucas bandas conseguem construir um catálogo com esse nível de reconhecimento imediato.

Nem só de nostalgia vive o guns

Tomando como exemplo a apresentação da banda no Monsters of Rock, e nesta etapa de 2026 da turnê como um todo, o show não se limita a reproduzir uma fórmula previsível. Algumas escolhas de repertório mostram disposição para revisitar diferentes momentos da discografia. Uma grato exemplo foi a inclusão de Bad Apples, tocada pela primeira vez desde 1991, e a presença de faixas mais recentes como Atlas e Nothin. Uma tentativa – bem sucedida – de manter o repertório em movimento.

Sempre há um lado do público que prefere se manter no clássico feijão com arroz, que funciona, é gostoso, e não incomoda com grandes mudanças, mas a verdade é que é saudável arriscar, ainda que não agrade a todos. E aqui vale um questionamento: será que fazer essa manobra justamente em um festival é a melhor escolha?

A dinâmica de palco da banda MAIS PERIGOSA DO MUNDO

No palco, a dinâmica do grupo também reforçou essa sensação de equilíbrio entre passado e presente.

Axl Rose já não apresenta a mesma potência vocal de outras fases da carreira, mas sua presença de palco continua sendo central para o espetáculo. Entre trocas de figurino e interações com o público, ele conduz a apresentação com naturalidade. E demonstra mudanças curiosas para aqueles que acompanharam a trajetória do frontman: mesmo levando uma guitarrada (sem querer, obviamente) de seu colega Slash, Axl seguiu totalmente paz, amor e rock ‘n’ roll – ah se isso acontecesse há algumas décadas…

Slash permanece como um dos pilares visuais e sonoros da banda, conduzindo solos que seguem entre os momentos mais marcantes do show. Já Duff McKagan amplia essa dinâmica ao assumir vocais em algumas músicas, reforçando o caráter coletivo da apresentação.

Richard Fortus, Dizzy Reed e Isaac Carpenter completam a formação com estabilidade instrumental, garantindo consistência ao longo das mais de duas horas de show.

A relação do Guns N’ Roses com o público brasileiro

No Brasil, essa experiência ganha uma dimensão particular. Desde os anos 1990, o país ocupa um espaço importante na trajetória da banda, com apresentações marcadas por estádios cheios e uma resposta intensa do público.

No Monsters of Rock, essa conexão voltou a aparecer com clareza. O engajamento coletivo da plateia reforça um elemento essencial para a longevidade de uma banda: a capacidade de transformar cada apresentação em um evento histórico.

Por que o Guns N’ Roses continua atravessando décadas

Bandas atravessam décadas quando conseguem sustentar três elementos ao mesmo tempo: um repertório que permanece relevante, presença de palco capaz de manter a experiência viva e um público disposto a renovar essa relação a cada apresentação.

O Guns N’ Roses ainda reúne esses três fatores. É por isso que, mesmo depois de mais de 40 anos de carreira, a banda continua funcionando como um dos nomes mais consistentes do rock ao vivo.

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A proposta da noite era simples e, ao mesmo tempo, poderosa: executar o disco na íntegra, sem atalhos, sem cortes. Como se cada faixa fosse uma página inevitável de uma história que precisa ser contada até o fim.

Quando os primeiros acordes de “Curse of the Virgin Canvas” surgiram, o público já sabia exatamente o que estava por vir. Os mais ansiosos gritaram antes mesmo de os vocais se completassem “the emptiness will haunt you“.

O repertório seguiu a ordem do álbum. “The Artist” e “A Lunatic’s Lament” vieram logo depois, ampliando a sensação de que o tempo havia se dobrado dentro do local, que diga-se de passagem é estava bem abafado. A cada mudança de música, a temperatura subia. O momento catártico chegou em “The Murderer”, quando um mosh se abriu.

Dennis Lee, também conhecido como Danny Diablo, conduzia a noite com naturalidade, alternando gritos, melodias e momentos de interação com quem estava na grade. A presença de palco da banda mantinha o show em constante movimento: Shawn Milke e Shane Crump, por exemplo, estão sempre trocando de microfone (um em cada extremidade do palco) para executar os vocais.

Pouco antes de “The Thespian”, um breve problema técnico interrompeu o andamento do show por alguns minutos. Nada dramático, mas o suficiente para quebrar um pouco do ritmo. Dennis Lee lidou com a situação com leveza e brincou com o público, dizendo que quem acompanha os shows da banda já sabe que esse tipo de coisa acontece. O comentário arrancou risadas e manteve o clima leve enquanto a equipe resolvia a falha.

Quando a música finalmente retornou, a reação foi imediata, como se a pausa tivesse apenas acumulado energia, afinal “The Thespian” é o grande símbolo do que foi a era The Emptiness.

O encerramento do álbum veio com “Annabel”, uma das faixas mais longas e emocionais do repertório. Em determinado momento, o som diminuiu e a voz do público tomou conta do espaço. Lanternas de celular surgiram no meio da pista. O “emo véio” ficou realizado.

Depois de completar o ciclo de The Emptiness, a banda deixou o palco por um instante. O retorno veio com três músicas fora do disco, funcionando como uma espécie de epílogo para a noite. “This Is Usually the Part Where People Scream”, “Beyond the Sacred Glass” e “Apology” trouxeram diferentes fases da carreira da banda de volta ao palco.

A última delas encerrou tudo com o mesmo espírito que marcou o restante da apresentação: vozes misturadas, braços erguidos e mosh pit pra eternizar.

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O estádio lotado, tomado por bonés vermelhos, rodas na pista e sinalizadores acesos, confirmou que o Limp Bizkit ocupa hoje um patamar que vai além da nostalgia. O show marcou o encerramento da Loserville Tour no Brasil e funcionou como um grande evento coletivo, estruturado quase como um minifestival, com participações e referências constantes às bandas convidadas da noite.

Homenagem a Sam Rivers dá o tom emocional da noite

Antes de mergulhar na energia característica de seus shows, o Limp Bizkit reservou um momento de respeito e memória. A apresentação foi dedicada ao baixista Sam Rivers, integrante fundador da banda, falecido em outubro de 2025. Um vídeo exibido no início do show, ao som de “Drown”, reuniu imagens de diferentes fases do músico e encerrou com uma mensagem direta de despedida.

Mesmo diante da perda recente, Fred Durst, Wes Borland, John Otto e DJ Lethal decidiram manter a turnê latino-americana, incorporando a homenagem como parte central da narrativa da noite. Richie “Kid Not” Buxton assumiu o baixo com discrição, garantindo continuidade sem tentar ocupar simbolicamente o espaço deixado por Rivers.

Energia, ironia e controle absoluto do público

A partir desse ponto, o show assume sua forma definitiva: uma sucessão de momentos de picos de intensidade. O Limp Bizkit trabalha com precisão o fluxo do repertório, alternando faixas explosivas com breves respiros estratégicos. Mesmo sem aparentar uma coreografia rígida, o setlist revela domínio absoluto da dinâmica de estádio.

A decisão de abrir e encerrar o show com “Break Stuff” sintetiza a proposta. Longe de soar repetitiva, a música funciona como manifesto e espelho do público, que assume o protagonismo especialmente na execução final, com as luzes do Allianz Parque acesas e a plateia transformada em parte ativa do espetáculo.

Clássicos como “My Generation”, “Nookie”, “Rollin’”, “My Way”, “Full Nelson” e “Take a Look Around” sustentam os momentos mais intensos da noite, enquanto faixas como “Re-Arranged” e “Livin’ It Up” oferecem pausas pontuais sem quebrar o ritmo geral do show.

Uma banda que entende seu tempo — e seu público

Fred Durst surge em cena distante da figura polêmica associada ao passado. Sua performance aposta menos em excessos e mais em comando de palco com autoridade e humor. Wes Borland, por sua vez, segue como peça central da identidade sonora e visual do grupo, combinando riffs pesados, texturas e um figurino que reforça o espírito irreverente da banda.

Os interlúdios comandados por DJ Lethal reforçam a lógica híbrida que sempre definiu o Limp Bizkit. Nada soa deslocado: o caos é parte do conceito, e o público entende exatamente o que está sendo proposto.

Encerramento celebra legado e permanência cultural

Com todas as bandas da noite reunidas no palco no final da apresentação, o Limp Bizkit encerrou o show em clima de caos festivo. Mais do que um exercício nostálgico, a passagem pelo Allianz Parque reafirma o grupo como um nome que segue operando com força dentro do gênero, capaz de dialogar com diferentes gerações sem diluir sua identidade.

Em São Paulo, o Limp Bizkit mostrou que sua força ao vivo permanece intacta. O show de 20 de dezembro de 2025 não foi apenas uma volta ao passado, mas a confirmação de que a banda encontrou, no presente, um novo espaço de relevância e conexão com o público.

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A noite começou com Supla abrindo o palco, acompanhado pelos Punks de Boutique. No início, parecia que o espaço ficaria esvaziado, já que o público entrava em ritmo lento. Bastou alguns minutos para o cenário mudar. A plateia cresceu rapidamente enquanto o Papito entregava sua energia habitual, e muitos dos presentes aproveitaram para assistir ao show completo antes de se posicionarem para ver Billy Idol.

Clássicos, nova fase e uma banda afiada

Quando as luzes se apagaram para a entrada do cantor britânico, a casa já estava completamente tomada. A animação do público ficou evidente desde o início, com fãs de diferentes gerações distribuídos pela pista, camarotes e arquibancadas, todos prontos para viver uma noite de nostalgia e novidade ao mesmo tempo.

O setlist combinou faixas recentes do álbum Dream Into It, lançado em abril, incluindo músicas como “Still Dancing” e “77”. Esta última, parceria de Billy Idol com Avril Lavigne, une o rock característico do cantor ao pop punk da artista canadense e marcou presença na turnê como parte da nova fase do músico. Essas faixas mais atuais se entrelaçavam com sucessos dos anos 80 que moldaram a trajetória do artista, como “Cradle of Love”, “Dancing With Myself”, “Eyes Without a Face” e “Rebel Yell”, transformando o Vibra em um grande coro coletivo. A resposta do público era imediata, demonstrando o quanto essas canções continuam presentes no imaginário do rock.

A banda que o acompanha manteve o nível de energia lá em cima, com destaque natural para Steve Stevens, parceiro de longa data. Seus solos longos e precisos, incluindo o tema de Top Gun, arrancaram aplausos emocionados. Billy Morrison (guitarra), Stephen McGrath (baixo), Erik Eldenius (bateria), Paul Trudeau (teclado) e as backing vocals Kitten Kuroi e Jess Kav entregaram um desempenho sólido, dando corpo ao som e reforçando a força das composições mais antigas e mais novas.

Como “licença” para entrar por um instante na primeira pessoa, tiro um momento para registrar algo que ouvi ali, encostada na grade, enquanto o público esperava a próxima música. Dois fãs comentaram entre si que Billy Idol “só não é maior que o Prince, mas que anda lado a lado no panteão do pop e do rock”. A frase sintetiza o sentimento que dominava o ambiente: admiração quase reverencial, mas com a leveza típica de um show em que todos querem cantar, pular e se divertir.

A performance encerrou uma noite em que Billy Idol exibiu vitalidade, simpatia e um domínio de palco que poucos artistas mantêm após tantos anos de carreira. A turnê segue agora para Curitiba e, em seguida, para outros países da América do Sul, reforçando o alcance duradouro de um artista que, mesmo com novas influências e sonoridades ao redor do mundo, continua sendo sinônimo de rock em sua forma mais direta, vibrante e atemporal.

O post Billy Idol faz São Paulo vibrar com clássicos apareceu primeiro em Pop Core Lab.

O quarteto de Quioto, formado por Accorinrin (voz e guitarra), Yoyoyoshie (guitarra), Hiro-chan (baixo) e Pop (bateria), entregou uma apresentação que reforça por que elas ganharam atenção de nomes como Dave Grohl e Jack White. O respeito vem do que elas fazem no palco: música rápida, direta, precisa e com personalidade que não precisa pedir licença.

Visualmente, a banda cria um contraste que diz muito sobre sua proposta. Vestidos floridos, meias coloridas e sandálias fofas evocam uma delicadeza imediata, mas basta o primeiro ataque de guitarra para essa imagem se desfazer. Elas parecem fofas à primeira vista, porém no palco mostram um punk que pulsa, explode e reorganiza o ambiente. Não é ironia, é contraste consciente. Uma escolha estética que tensiona expectativa e realidade.

Durante o show, as pausas dramáticas entre algumas músicas criaram momentos de suspensão. O público prendia o ar por um segundo, sem saber se o próximo som seria um grito, um riff abrupto ou uma fala inesperada. Essa dinâmica manteve a atmosfera viva e imprevisível.

A resposta do público foi intensa. Mesmo quem não sabia todas as letras se jogou na experiência. O engajamento era visível nas rodas que se formavam, nos gritos espontâneos, nos aplausos que surgiam sem marcação. A banda reagia a isso. Era claro que elas percebiam. A energia circulava, não era unilateral. Durante as interações, Yoyoyoshie comentou que a banda acompanha as métricas de onde é mais ouvida e que o Brasil está no topo.

Na reta final, o show se transformou em uma brincadeira consciente com o próprio formato. Elas saíam do palco como se tivessem encerrado tudo, apenas para voltar segundos depois, rindo, provocando, continuando. Foi repetido mais de uma vez, sempre com resposta calorosa. Em certo momento, a guitarrista surfou pelo público em uma boia grande, criando uma cena tão absurda quanto divertida, que sintetizou bem a lógica do grupo: é para ser intenso, mas também é para ser leve.

Além do impacto sonoro, a noite marcou mais um capítulo do interesse crescente dos brasileiros pela música japonesa em suas diversas vertentes. O rock, o punk, o metal, o pop: tudo encontra espaço e público por aqui. O show mostrou que essa relação está mais viva do que nunca.

Sem encerramentos épicos ou metáforas grandiosas, o que ficou foi simples e direto: quem estava lá saiu sabendo que tinha visto algo que não se repete. E isso já é muito.

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